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    Black Theatre Worshop présentait « Pipeline » de Dominique Morisseau

    20 mai 2022, 00h25
         |      Article rédigé par Lyota Bonyeme.

    Présentée au Théâtre La Licorne du 14 au 23 avril 2022, puis du 26 au 8 mai, avec une production bilingue, « Pipeline » soulevait l’importance de l’éducation, de l’identité et surtout de la parentalité, en discutant en profondeur comment l’égalité des chances dépend de la classe sociale et de l’ethnicité. Ahdri Zhina Mandiela et Tamara Brown, co-metteures en scène de la pièce, nous parlent des défis posés par l’adaptation de « Pipeline » pour le public montréalais.

    Black Theatre Worshop présentait « Pipeline » de Dominique Morisseau « Pipeline ».Photo: Antoine Saito

    Écrite par la dramaturge américaine Dominique Morisseau, « Pipeline » dénonce le cercle vicieux social qui détourne les jeunes hommes noirs du système scolaire vers le système carcéral. Presque deux ans après avoir lu la pièce pour la première fois, la metteure en scène Ahdri Zhina Mandiela et son associée, Tamara Brown, montent la production bilingue de la pièce, adaptée aux réalités du public montréalais, grâce à la traduction de Mishka Lavigne et à la troupe du Black Theatre Workshop (BTW).

    Jenny Brizard, Schubert Pierre-Louis, Gloria Mampuya et Grégory Yves dans « Pipeline ». Photos : Antoine Saito.

    Dites-moi. Qu’est-ce qui vous a attirées au projet ? Qu’est-ce qui vous a donné envie d’adapter la pièce de Dominique Morisseau pour la scène montréalaise ?

    Ahdri Zhina Mandiela : « On a embarqué quand on a entendu que la production était bilingue en fait (rires). Oui, et d’un autre côté, dans mon cas, dès que j’ai appris que Tamara [Brown] allait être impliquée dans le projet, j’ai su que je voulais en faire partie, parce que je n’aurais tout simplement pas embarqué si Tamara [Brown] n’avait pas été impliquée. »

    Tamara Brown : « C’est vrai qu’Ahdri [Zhina Mandiela] et moi avons une complicité vraiment étonnante. Il se trouve que nos esthétiques s’alignent et que beaucoup de nos visions du monde tendent à être très similaires, malgré nos expériences vécues très différentes.

    Je travaille avec BTW depuis longtemps, et j’ai remarqué qu’il y a tout un segment de la population noire à Montréal et au Québec qui est complètement négligé dans la narration, que ce soit à l’écran ou sur les scènes. Et beaucoup d’artistes sont bilingues, mais n’ont pas la chance de travailler dans les deux disciplines.

    Quand Quincy [Armorer], qui était le directeur artistique du Black Theatre Workshop à l’époque, avec qui j’ai beaucoup travaillé, avait déjà commencé à faire traduire des textes en français pour offrir d’autres narratifs au public noir, c’est-à-dire des narratifs écrits pour nous, par nous, outillés par nous, au lieu des imaginations d’autres yeux et d’autres lentilles de narration.

    Ainsi, lorsque Philip Lambert a vu la pièce aux États-Unis et a dit à Quincy [Armorer] qu’il pensait que ce serait une excellente pièce à traduire, j’étais déjà au courant de leur travail avec Angélique, de sa traduction en français, de la réaction du public et du fait que très peu de spectateurs montréalais voient un groupe entier de Noirs sur scène en train de raconter une histoire en français, où ils sont le sujet de l’histoire, et pas seulement des objets en arrière-plan ou en périphérie de l’action.

    Puis, lorsque j’ai lu le scénario en anglais et que j’ai su qu’il allait être traduit en français, j’ai pensé que c’était une excellente occasion pour le public montréalais d’entendre une histoire qui le touche également. Là où il vit, dans une langue qu’il connait, avec des corps qu’il reconnait et qui ressemblent à des Montréalais, des Haïtiens, des Africains ou un peu des Moyen-Orientaux, parce que nous avons besoin de nous voir reflétés par les récits. C’est un besoin humain fondamental. Et franchement, ce n’est pas arrivé assez vite. Ce n’est pas assez rapide. Donc dès que j’ai appris que la pièce allait être traduite, j’ai su que je voulais faire partie de ce projet à un niveau ou à un autre. »

    Ahdri Zhina Mandiela. Photo : Black Theatre Workshop.

    Avez-vous eu immédiatement une idée de la manière dont vous vouliez adapter le texte à la scène ? Comment la production a-t-elle évolué au cours de ces deux années ?

    Ahdri Zhina Mandiela : « Légèrement, je dirais, mais elle s’est vraiment étoffée lorsque Tamara et moi avons commencé à travailler ensemble. Une fois que nous avons eu l’équipe, quand nous avons vu l’espace pour la première fois, et quand nous avons commencé à "jammer", des mois avant le début des réunions de production, c’est là que les idées ont vraiment commencé à fuser. Mais je pense que nous avons commencé sur la même page, n’est-ce pas, Tamara ? »

    Tamara Brown  : « Je suis d’accord à 100 %. Lorsque les paramètres ont été exposés sur ce avec quoi nous devions travailler et sur ce que Dominique elle-même avait à dire sur les lieux où l’action pouvait se dérouler, certaines choses se sont vraiment suggérées à nous. Il y a des façons d’arriver au travail et des délais que nous avons dû, en tant qu’industrie, réapprendre, réajuster et comprendre à la volée. Sans compter que les gens tombent terriblement, terriblement malades et vivent un grand deuil.

    Et il y a beaucoup de bouleversements personnels et professionnels tout en essayant de comprendre des processus qui auront nécessairement un impact sur l’esthétique, les approches et les processus, que vous le vouliez ou non. Mais pour ce qui est de ce que Dominique [Morisseau] écrit lorsqu’elle aborde ce que nous appelons le pipeline école-prison et ce qu’il fait aux corps noirs et racisés dans le monde occidental, malheureusement, les gens continuent de s’adresser aux gens dans ce monde occidental, et la rhétorique peut changer en raison des circonstances politiques.

    Pendant la répétition, une fillette de dix ans qui rentrait de l’école, une fillette noire, a été violemment battue. Nous nous demandons toujours, avez-vous réalisé une question que nous entendons souvent ? Saviez-vous ce qui serait si opportun ? Malheureusement, lorsque nous parlons de ces histoires qui touchent nos vies, de ces problèmes systémiques plus larges, ils finissent par être étrangement opportuns parce que nous avons quelque chose à traiter. Et tant qu’on ne l’aura pas fait, ces histoires ne seront jamais des pièces d’époque. Elles continueront à être obsédantes et pertinentes. »

    Ahdri Zhina Mandiela  : « Bien sûr. Je dirais que le projet n’a pas été beaucoup influencé par la politique ambiante. Et l’esthétique est juste notre penchant professionnel. Et nous nous sommes simplement lancées. Nous avons commencé à un endroit et nous voulions finir ici, et c’est ce à quoi nous avons travaillé tout au long du projet, à toute vitesse et en parlant. »

    Tamara Brown. Photo : Agence Reisier Talent.

    Qu’est-ce qui a inspiré votre direction artistique ?

    Ahdri Zhina Mandiela : « Vraiment, nous avons commencé à un endroit et nous savions en quelque sorte où nous voulions finir. Les jam sessions avec toute l’équipe créative ont été très pertinentes et ont fait partie intégrante de notre processus de travail pendant la pré-production, la production et les détails. Ils étaient importants en raison des nuances du scénario. Dominique, elle ne plaisante pas. Elle a écrit des choses très spécifiques, et nous voulions honorer cela. Ce que nous avons tiré du texte, c’est le fait que nous pouvions aller partout et n’importe où pour avoir ces discussions. »

    Tamara Brown  : « Ce qui est brillant, je pense que c’est vraiment la toute première ligne de son texte et de sa mise en scène, et elle dit : "nous sommes dans un espace indéfini". Et cela, en tant que rampe de lancement pour un groupe d’artistes est très excitant parce que cela permet de poser des questions plus larges que les questions spécifiques de temps et de lieu, mais aussi de regarder des modèles plus larges, de commencer à penser à ce que sont les facteurs plus larges en jeu et quelle image cela nous renvoie-t-il ? À quoi cela nous fait-il penser ? Et je pense qu’il y a vraiment ce cadeau donné par l’auteur de la pièce comme point de départ. Vous écoutez simplement ce que ces gens disent et ce qu’ils font et le reste de votre imagination... »

    Ahdri Zhina Mandiela : « Des imaginations qui sont très colorées, et je dis bien colorées délibérément, par notre vision du monde et nos désirs de changement, parce que je pense que ce sont ces deux éléments particuliers qui ont vraiment eu un impact sur l’apparence, le ressenti, l’interactivité et l’immersion du public que nous avons essayé de mettre dans la production. »

    Jenny Brizard, Grégory Yves et Gloria Mampuya dans « Pipeline ». Photos : Antoine Saito.

    Avez-vous toujours su que vous vouliez créer une production immersive intégrant des éléments multimédias ?

    Tamara Brown : « Oui, je le pense. Je vais juste reprendre ce dont Ahdri parlait en termes d’expérience immersive, qui vous permet de regarder l’action et d’être immergé dans un lieu psychologique, émotionnel et presque tangible, collectivement en tant que groupe, ce que cela signifie de sortir de l’isolement et de commencer enfin à se rassembler à l’intérieur pour vivre une histoire théâtrale, qui est une chose tellement différente de la demande, en ligne, dans votre téléphone, à la maison, à tout moment, le divertissement, l’accord pour se réunir dans un espace, et cet espace sacré, très prudent parce que tout le monde est masqué et vraiment conscient que nous sommes tous ici ensemble pour une chose, d’accord ? C’est ce qui va se passer.

    Et vous allez sentir et entendre vos voisins et donc tout ce qui concerne la façon dont nous voulions que cet endroit soit mis en scène, pour avoir un impact très conscient sur le fait que nous sommes tous réunis ici. Nous allons tous participer à cela parce que, que nous le fassions ou non, nous sommes tous dans le même bateau. Une fois que ces portes se seront fermées et que nous respirerons tous le même air à travers des masques, nous serons tous concernés. Et donc nous voulions juste accentuer cela. Et c’est pourquoi les lumières entrent dans le public à certains moments. C’est pourquoi le son se rapproche ou s’éloigne. C’est pourquoi les images grimpent sur les vêtements des gens, sur le sol, sur l’arrière-plan et dans le public.

    Il y avait une raison très précise pour laquelle nous voulions que les gens vivent cette histoire et en fassent partie. Ici, à Montréal, même si l’auteure de la pièce est américaine, vous pouvez la placer dans un cadre urbain, et alors elle devient quelque chose que vous regardez à l’extérieur de vous, ou vous pouvez entrer dans le pipeline avec ces gens et leur histoire et la vivre avec eux et les entendre respirer très fort, tout comme vous pouvez entendre votre propre souffle très fort derrière votre masque et dans votre oreille. »

    Ahdri Zhina Mandiela  : « Et nous voulions vraiment ne pas seulement capter les yeux et les oreilles des gens, mais les faire se sentir dans les sièges à tout moment, à chaque instant de cette histoire. C’était très important pour nous car il y a beaucoup de choses. Beaucoup de ce que les gens peuvent voir est de la rhétorique, et même interprété comme des stéréotypes, qui permettent aux gens de passer à la trappe et de se contenter d’écouter certaines choses et pas d’autres, sans vraiment en tirer le bénéfice dont ils ont personnellement besoin. Mais notre objectif était de faire en sorte que les gens soient dans cette matrice de narration tout le temps. »

    Tamara Brown : « C’est une excellente remarque, car ce que l’esthétique de la pièce amène les spectateurs à faire, c’est qu’ils n’ont pas d’autre choix que de regarder et d’écouter ces personnes, de les voir, car leurs points de référence autour d’eux ne seront pas dans un monde réaliste. Donc quand vous ne remplissez pas les "blancs" avec ce que vous vous attendez à voir et que vous vous contentez de les regarder et de les écouter, vous pouvez comprendre quelque chose de différent, ou vous pouvez vraiment les prendre là où ils sont, sans remplir les "blancs" de tous vos programmes qui ne s’attendaient pas à ce qu’ils comprennent ce que sont ces gens. »

    « Pipeline ». Photos : Antoine Saito.

    Qu’espérez-vous que le public retienne de la pièce ?

    Ahdri Zhina Mandiela : « Pour moi, si chaque personne sort du théâtre en disant ne serait-ce que "j’aime ça", et en ajoutant à cela "qu’est-ce que je fais avec ça ?". Même juste "qu’est-ce que je fais avec ça ?" comme question pour chaque personne qui aime ou même qui n’aime pas. Alors j’ai confiance que c’est un début. Regardez le changement. Et le changement est ce que cette pièce veut aborder, vous savez. Et je pense que si les gens sortent du théâtre en se posant juste cette question, "qu’est-ce que je fais avec ça ?", "Où est-ce que j’emmène ça à partir d’ici ?", ou même juste en dehors de ce bâtiment, "comment puis-je l’emmener avec moi ?", je serais heureuse. S’ils se remettent en question, ils vont se demander comment faire pour participer à ce changement qui est appelé à se produire. En fait, je ne parle pas seulement du fait qu’il soit nécessaire. Il est destiné à se produire de toutes les manières possibles, que ce soit par de petites actions, comme une pièce comme celle-ci, ou par de plus grandes actions. Et donc, tant que chacun d’entre nous peut se considérer comme faisant partie de ce changement pour qu’il ait lieu, je serai satisfaite de mon travail. »

    Tamara Brown : « J’espère que ce que les spectateurs retiennent de tout cela, c’est que l’espoir alimente tous nos processus de changement, que notre environnement va toujours changer. Mais ce qui nous lie les uns aux autres, ce sont nos relations et la façon dont nous nous montrons les uns aux autres, la façon dont nous nous montrons les uns aux autres ou non. »

    Jean Bernard, Anie Pascale et Schubert Pierre-Louis dans « Pipeline ». Photos : Antoine Saito.

    Ahdri Zhina Mandiela : « Et c’est juste le fait de se montrer. Si je peux ajouter quelque chose à cela, je dirais que le fait de se montrer consiste à se voir les uns les autres. Ce que nous essayons vraiment d’atteindre, et les gens peuvent le remarquer, c’est de voir l’autre tel qu’il est et d’être d’accord avec cela, de regarder et de continuer à regarder et de ne pas attendre ou définir ou juste jeter des étiquettes ou des stéréotypes. Rien de tout cela, si nous nous montrons et nous nous voyons les uns les autres. C’est ça, pour moi. »

    Tamara Brown : « Oui, nous nous trouvons dans l’autre. Si vous regardez honnêtement ce que vous considérez comme l’autre, comme quelqu’un d’autre, si vous restez avec lui et son histoire assez longtemps, vous allez reconnaître les carillons de réponses en vous. Vous allez connaître ces échos, et vous allez vous connaître un peu mieux. Et j’espère que c’est ce qui se passe pour chaque spectateur, qu’il se sent partie prenante de l’histoire, qu’il se sent impliqué et qu’il a sa peau dans le jeu d’une manière ou d’une autre, et que nous ne nous en sortons pas si nous ne nous en sortons pas ensemble. Nous sommes tous entrés dans cet endroit ensemble, et nous allons le quitter ensemble. »

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